3. Orchestre National de Jazz, Europa Berlin (ONJazz)
jueves, 31 de diciembre de 2015
Mis favoritos de 2015 (1-10)
3. Orchestre National de Jazz, Europa Berlin (ONJazz)
Mis favoritos de 2015 (11-20)
sábado, 21 de marzo de 2015
Gebhard Ullmann, 50 discos a sus espaldas
Gebhard Ullmann, referente de la escena berlinesa, cumple según sus cuentas 50 discos al frente de sus múltiples bandas. Esta es la séptima entrega con Basement Research, un grupo que formó hace 20 años como cuarteto con músicos neoyorquinos y que ha evolucionado a un quinteto ya con un amplio rodaje. La formación actual es lo más parecido a un supergrupo, no solo porque sus miembros estén entre los más solicitados en sus respectivos instrumentos, sino porque suena como una maquinaria de precisión perfectamente engrasada.
Junto a Ullmann en el saxo tenor y clarinete bajo, figuran Steve Swell en el trombón, Julian Argüelles en el saxo barítono, Gerald Cleaver en la batería y Pascal Niggenkemper en lugar de John Hébert en el contrabajo, única novedad respecto a la formación del New Basement Research y los dos volúmenes de Don't Touch My Music. Ullmann utiliza el Basement Research como un verdadero laboratorio de ideas sacando partido de las sonoridades graves con la combinación de saxo barítono, clarinete bajo y trombón, y explotando con brillantez la técnica del contrapunto. La banda vuelve sobre temas antiguos y va incorporando otros nuevos a un repertorio en constante evolución. A destacar "Five", una especie de suite en miniatura de gloriosa solemnidad, y la sombría belleza de la fantástica recreación de "Blue Trees and Related Objects".
En cierto modo una banda complementaria al Basement Research, GULF of Berlin es un cuarteto cooperativo con la misma configuración instrumental que el que Ullmann colidera con Steve Swell, pero en este caso con una formación íntegramente alemana. Aún así la banda se inspira netamente en el post-free de tradición americana, un indicativo de que esta segunda generación de la escena berlinesa poco tiene que ver ya con la radicalidad del free europeo de primera hornada y está abierta a numerosas tendencias contemporáneas.
Comparte la primera línea con Ullmann el trombonista Gebhard Gschößl, que se alterna también en el poco habitual sousofón, un músico poco conocido a pesar de contar con discos más que notables al frente de bandas como Vierergruppe Gschlößl y Der Moment, poseedor de un sonido exuberante que me recuerda a Ray Anderson. La rítmica la forman Johannes Fink al chelo y contrabajo y Jan Leipnitz en la batería. Aunque el grupo declare que su música es totalmente improvisada, el resultado no difiere demasiado de algunos de los temas del Basement Research. La obra se estructura como una suite en 11 movimientos, alternando momentos más dinámicos con otros más serenos, pero interpretados siempre con un nervio y una agilidad admirables. Un disco magnífico que aunque ha pasado desapercibido merece ser escuchado con atención.
sábado, 14 de marzo de 2015
El nuevo free noruego
Después de tres entregas en Moserobie, la etiqueta de Jonas Kullhammar, el cuarto disco del quinteto noruego liderado por el contrabajista Per Zanussi supone su estreno en Clean Feed, con motivo de su actuación en la edición de 2013 del Jazz ao Centro que se celebra en Coimbra. La formación, que se ha mantenido bastante estable a lo largo de más de una década, incluye a Gard Nilssen en la batería y un trío de saxos al frente: Kjetil Monster, Eirik Hegdal y Jørgen Mathisen.
La banda se ha caracterizado siempre por un sano eclecticismo y un perfil modernista que picotea en diversos géneros. Este directo se abre con una pieza ambiental que podría remitir al electrojazz, pero rápidamente entra en calor con temas más fogosos, un free bop no muy distinto al que practican otros grupos escandinavos como el que lidera el también contrabajista Torbjörn Zetterberg, con un gusto por las melodías exóticas que rompe tópicos y que podría asociarse más bien al sur de Europa que a la fría Noruega. La exuberante sección de saxos recuerda inevitablemente a Angles, la banda de Martin Küchen que también cuenta con el saxo barítono de Hegdal. Una encantadora puesta al día de la tradición del free nórdico.
Friends & Neighbors, Hymn for a Hungry Nation (Clean Feed) ***½Segundo disco de otro quinteto de la nueva generación noruega que toma su nombre de una grabación de 1970 casi olvidada (aunque acaba de reeditarse) de Ornette Coleman, una declaración de intenciones con la que no sorprende que resulte mucho más tradicional y anclado en el free clásico. El trompetista Thomas Johansson, también al frente de Cortex, un cuarteto aún más fiel al modelo ornettiano, hace aquí pareja con el saxo de André Roligheten y la novedad respecto a bandas similares es dar entrada a un piano, a cargo de Oscar Grönberg.
La pareja rítmica que forman el contrabajista Jon Rune Strøm y el baterista Tollef Østvang comparte con Johansson otro quinteto, All Included, que también salta a Clean Feed con un nuevo álbum de inminente aparición: Satan in Plain Clothes. Pero si la banda que encabeza Martin Küchen opta sin reservas por la excitación ayleriana, Friends & Neighbors es una propuesta mucho más matizada por la presencia de un piano casi melancólico, hasta el punto de que a veces parece faltarle algo de chispa y el disco acaba brillando especialmente en "Bølehøgda" y "Heading South", un par de baladas con melodías memorables.
sábado, 7 de marzo de 2015
Other Dimensions In Music, guía discográfica
Other Dimensions In Music (Silkheart, 1990) ****½
Tras el declive de la escena de los lofts, a finales de los 80 se produce una revitalización del free con la aparición de nuevos talentos como Matthew Shipp y Rob Brown y el despegue de la carrera de David S. Ware. En este nuevo interés por el género una de las bandas cruciales será el cuarteto cooperativo Other Dimensions In Music. Tres de sus componentes, el trompetista Roy Campbell, el contrabajista William Parker y el baterista Rashid Bakr, habían coincidido en el Muntu de Jemeel Moondoc, una super banda que se disuelve prematuramente cuando Parker y Bakr optan por unirse al grupo de Cecil Taylor. Other Dimensions In Music nace a comienzos de los 80 cuando el trío entra en contacto con el multiinstrumentista Daniel Carter, aunque no será hasta el final de la década cuando verá la luz su debut en Silkheart, la etiqueta sueca que aglutina esta primera oleada del neo-free.
La banda es por tanto heredera directa de los valores clásicos del free: expresionismo, improvisación colectiva, pero con algunos rasgos característicos que la alejan de la vieja escuela, como se pone sobre todo de manifiesto en este primer disco. En efecto, se trata de música muy melódica y relajada, con la combinación de Campbell y Carter aportando un lirismo inusual en el género. El LP original contenía solo dos extensos temas que se amplían a cuatro en la edición en CD, todos ellos forman una especie de suite en la que la música va fluyendo suavemente sin grandes cambios de rumbo. Bajo mi criterio éste es el disco más notable y representativo del grupo, una obra imprescindible en la evolución del free.
Now! (AUM Fidelity, 1998) ****
Embarcados sus miembros en otros proyectos individuales, la banda se convierte en un esfuerzo intermitente y no será hasta ocho años después de su debut que vuelva a pasar por el estudio. Steven Joerg, que los había escuchado en la edición inaugural del Vision Festival en 1996, les publica este segundo disco en su recién estrenado sello AUM Fidelity, uno de los abanderados de la nueva ola del free que vive en la segunda mitad de los 90 un insospechado período de esplendor.
Nuevamente se trata de una extensa obra (el primer tema sobrepasa la media hora de duración) que trata de repetir las virtudes de su debut, si bien en esta ocasión con algo más de nervio, con Campbell y Carter más agresivos y la rítmica más en primer plano, un perfil propicio para obtener un creciente reconocimiento entre los seguidores del género.
Time Is of the Essence Is Beyond Time (AUM Fidelity, 2000) ***½
Para su tercer disco, la banda se convierte en quinteto contando como invitado especial con el pianista Matthew Shipp. Se trata de una grabación en directo en la Knitting Factory, el tercero de una serie de conciertos con esta formación, registrado solo unos meses después que el anterior Now! y dos semanas antes de que Campbell, Carter y Parker acompañen a Shipp en su álbum Strata.
La suma de Shipp a la banda se traduce en un free jazz más convencional, más apegado a la tradición del género. Sin perder del todo sus señas de identidad, el grupo deriva en este largo concierto de más de una hora de duración hacia el expresionismo al viejo estilo, en el que prima sobre todo el impacto emocional a través de una música enérgica e intensa, con Shipp en esta época en un papel tayloriano un tanto desdibujado y más bronco de lo que acabaría siendo su posterior estilo.
Live at the Sunset (Marge, 2007) ****
Debido a la imposibilidad de Rashid Bakr de viajar con la banda, Hamid Drake, que había sido pareja rítmica de Parker en el Pyramid Trio de Campbell en el excepcional Ethnic Stew and Brew, se convierte en el titular en las giras internacionales, como la que en 2006 les lleva en dos noches consecutivas al parisino club Sunset, recogidas en un doble CD publicado por el sello francés Marge.
La simple sustitución del baterista, aparentemente un cambio menor, transforma totalmente el sonido de la banda. Con Drake en los tambores, la pulsación rítmica más africanista se convierte en el eje central de una música que en lugar de fluir como en otras ocasiones de forma continua y sin rupturas, se estructura en temas perfectamente diferenciados, algunos de los cuales no se alejan demasiado del free bop con tintes de blues que practican el cuarteto de Parker o el de Rob Brown, que en The Big Picture había tenido una formación idéntica a ésta salvo por la presencia del propio Brown en lugar de Daniel Carter. Más de dos horas y media de música apasionante, honesta y sin artificios.
Kaiso Stories (Silkheart, 2011) ***
Un disco atípico propiciado por el interés de Lars-Olof Gustavsson, uno de los fundadores del sello Silkheart, en grabar a una vocalista, encontrando finalmente en Fay Victor, una cantante con ciertas reminiscencias de Jeanne Lee, la candidata ideal que había estado buscando para ese empeño.
Kaiso es un estilo precursor del calipso, un género musical originario de Trinidad y Tobago. Las raíces familiares de Fay Victor la conducen a atreverse con un experimento arriesgado, un cuarteto de free jazz acompañando a una cantante en una serie de improvisaciones sobre textos extraídos de la tradición del calipso. Tras la sorpresa inicial que produce su escucha, la extensión de los temas da espacio a la banda, que recupera aquí su formación inicial con Rashid Bakr (ahora usando su anterior nombre, Charles Downs), para desplegar su sonido característico con notables momentos de inspiración. Aunque curioso por su originalidad, la naturaleza del proyecto lo sitúa por sus connotaciones sentimentales como una obra personal de la cantante y un capítulo secundario en la trayectoria de la banda.
Tras el declive de la escena de los lofts, a finales de los 80 se produce una revitalización del free con la aparición de nuevos talentos como Matthew Shipp y Rob Brown y el despegue de la carrera de David S. Ware. En este nuevo interés por el género una de las bandas cruciales será el cuarteto cooperativo Other Dimensions In Music. Tres de sus componentes, el trompetista Roy Campbell, el contrabajista William Parker y el baterista Rashid Bakr, habían coincidido en el Muntu de Jemeel Moondoc, una super banda que se disuelve prematuramente cuando Parker y Bakr optan por unirse al grupo de Cecil Taylor. Other Dimensions In Music nace a comienzos de los 80 cuando el trío entra en contacto con el multiinstrumentista Daniel Carter, aunque no será hasta el final de la década cuando verá la luz su debut en Silkheart, la etiqueta sueca que aglutina esta primera oleada del neo-free.
La banda es por tanto heredera directa de los valores clásicos del free: expresionismo, improvisación colectiva, pero con algunos rasgos característicos que la alejan de la vieja escuela, como se pone sobre todo de manifiesto en este primer disco. En efecto, se trata de música muy melódica y relajada, con la combinación de Campbell y Carter aportando un lirismo inusual en el género. El LP original contenía solo dos extensos temas que se amplían a cuatro en la edición en CD, todos ellos forman una especie de suite en la que la música va fluyendo suavemente sin grandes cambios de rumbo. Bajo mi criterio éste es el disco más notable y representativo del grupo, una obra imprescindible en la evolución del free.
Now! (AUM Fidelity, 1998) ****
Embarcados sus miembros en otros proyectos individuales, la banda se convierte en un esfuerzo intermitente y no será hasta ocho años después de su debut que vuelva a pasar por el estudio. Steven Joerg, que los había escuchado en la edición inaugural del Vision Festival en 1996, les publica este segundo disco en su recién estrenado sello AUM Fidelity, uno de los abanderados de la nueva ola del free que vive en la segunda mitad de los 90 un insospechado período de esplendor.
Nuevamente se trata de una extensa obra (el primer tema sobrepasa la media hora de duración) que trata de repetir las virtudes de su debut, si bien en esta ocasión con algo más de nervio, con Campbell y Carter más agresivos y la rítmica más en primer plano, un perfil propicio para obtener un creciente reconocimiento entre los seguidores del género.
Time Is of the Essence Is Beyond Time (AUM Fidelity, 2000) ***½
Para su tercer disco, la banda se convierte en quinteto contando como invitado especial con el pianista Matthew Shipp. Se trata de una grabación en directo en la Knitting Factory, el tercero de una serie de conciertos con esta formación, registrado solo unos meses después que el anterior Now! y dos semanas antes de que Campbell, Carter y Parker acompañen a Shipp en su álbum Strata.
La suma de Shipp a la banda se traduce en un free jazz más convencional, más apegado a la tradición del género. Sin perder del todo sus señas de identidad, el grupo deriva en este largo concierto de más de una hora de duración hacia el expresionismo al viejo estilo, en el que prima sobre todo el impacto emocional a través de una música enérgica e intensa, con Shipp en esta época en un papel tayloriano un tanto desdibujado y más bronco de lo que acabaría siendo su posterior estilo.
Live at the Sunset (Marge, 2007) ****
Debido a la imposibilidad de Rashid Bakr de viajar con la banda, Hamid Drake, que había sido pareja rítmica de Parker en el Pyramid Trio de Campbell en el excepcional Ethnic Stew and Brew, se convierte en el titular en las giras internacionales, como la que en 2006 les lleva en dos noches consecutivas al parisino club Sunset, recogidas en un doble CD publicado por el sello francés Marge.
La simple sustitución del baterista, aparentemente un cambio menor, transforma totalmente el sonido de la banda. Con Drake en los tambores, la pulsación rítmica más africanista se convierte en el eje central de una música que en lugar de fluir como en otras ocasiones de forma continua y sin rupturas, se estructura en temas perfectamente diferenciados, algunos de los cuales no se alejan demasiado del free bop con tintes de blues que practican el cuarteto de Parker o el de Rob Brown, que en The Big Picture había tenido una formación idéntica a ésta salvo por la presencia del propio Brown en lugar de Daniel Carter. Más de dos horas y media de música apasionante, honesta y sin artificios.
Kaiso Stories (Silkheart, 2011) ***
Un disco atípico propiciado por el interés de Lars-Olof Gustavsson, uno de los fundadores del sello Silkheart, en grabar a una vocalista, encontrando finalmente en Fay Victor, una cantante con ciertas reminiscencias de Jeanne Lee, la candidata ideal que había estado buscando para ese empeño.
Kaiso es un estilo precursor del calipso, un género musical originario de Trinidad y Tobago. Las raíces familiares de Fay Victor la conducen a atreverse con un experimento arriesgado, un cuarteto de free jazz acompañando a una cantante en una serie de improvisaciones sobre textos extraídos de la tradición del calipso. Tras la sorpresa inicial que produce su escucha, la extensión de los temas da espacio a la banda, que recupera aquí su formación inicial con Rashid Bakr (ahora usando su anterior nombre, Charles Downs), para desplegar su sonido característico con notables momentos de inspiración. Aunque curioso por su originalidad, la naturaleza del proyecto lo sitúa por sus connotaciones sentimentales como una obra personal de la cantante y un capítulo secundario en la trayectoria de la banda.
sábado, 28 de febrero de 2015
50 años de AACM
El pasado común de DeJohnette con Roscoe Mitchell y Henry Threadgill, cuando fueron compañeros de aula en Chicago, y su paso fugaz por la Experimental Band de Muhal Richard Abrams, catalizador de aquella revolución creativa que supuso la aparición de la AACM, ha propiciado que el baterista pusiera en pie esta reunión de leyendas con motivo del Festival de Jazz de Chicago de 2013, cuya publicación coincidiendo con el año en que la AACM cumple medio siglo de existencia es seguramente su obra más relevante desde la época más gloriosa del Special Edition.
Completado con el contrabajista Larry Gray en el puesto que en otro tiempo podría haber ocupado Fred Hopkins, el quinteto se presentó ante una numerosa y entregada audiencia con apenas un par de días de ensayos previos. Que no se trata de música amable, ni tan siquiera nostálgica, queda claro desde el comienzo con la radicalidad de "Chant", un tema compuesto en los 70 por Mitchell basado en un simple motivo de cuatro notas que se repite obsesivamente y que aquí se estira sin tregua con interminables solos de respiración circular, subiendo gradualmente la intensidad hasta un final explosivo. Le sigue la intrigante "Jack 5", que aunque firmada por Abrams parece salida de la mente de un Threadgill en plena madurez creativa, pero quizás lo mejor del disco llegue con "Museum of Time", un tema de DeJohnette donde Abrams, a punto de cumplir 83 años en la fecha de la grabación, imparte una lección magistral de sabiduría y delicadeza al piano.
Aunque no vio la luz hasta 2011, Before There Was Sound, a cargo del cuarteto de Roscoe Mitchell, es el primer documento sonoro disponible de la AACM, grabado en 1965 poco después de la constitución de la asociación. Ya desde aquellos tiempos el concepto de sonido fue clave en la música del saxofonista, dando título a su debut, aquel mítico Sound que marcó un antes y un después en la historia del jazz, y a una banda posterior bautizada como Sound Ensemble. Esa filosofía de explorar el sonido por encima de las consideraciones melódicas o rítmicas, sigue presente en buena parte de su producción discográfica y muy especialmente en esta obra creada para la edición de 2011 del Angel City Festival de la ciudad de Los Ángeles.
Se trata de una única pieza de alrededor de una hora de duración grabada en esta ocasión en el Mills College de Oakland en 2012 para un trío con James Fei, habitual de los círculos de Anthony Braxton, en varios saxofones y clarinetes además de encargarse de la electrónica, y William Winant, percusionista de referencia en la escena creativa de la Costa Oeste utilizando un amplio rango de materiales no convencionales en su arsenal percusivo. En un punto en el que se confunden composición e improvisación, Mitchell explora sonoridades inusuales y extremas, de los agudos penetrantes del saxofón sopranino al contraste con la combinación de ultra graves del saxo bajo y el clarinete contrabajo, en el afán de llevar al oyente a un territorio que no le sea familiar, a esa mezcla de desorientación y asombro que provoca lo nunca antes escuchado.
Interpretación de Angel City en San Francisco, 12 de Diciembre de 2013
sábado, 21 de febrero de 2015
El trío de piano renovado
Músico polifacético y erudito, encumbrado por el galardón de la Fundación MacArthur y su fichaje por ECM, Vijay Iyer sorprendió con la publicación de Mutations, una serie de piezas para piano y cuarteto de cuerda compuestas una década antes e inspiradas en la música de cámara de la AACM, una escuela con la que ha mantenido un fructífero contacto, desde su admiración por Muhal Richard Abrams y su temprana colaboración con George Lewis, hasta su paso por el Note Factory de Roscoe Mitchell y el Golden Quartet de Wadada Leo Smith.
Tras aquella inesperada obra, que solo acabó viendo la luz gracias precisamente a la amplitud de miras de ECM, Break Stuff es el esperado tercer disco de su aclamado trío con el contrabajista Stephan Crump y el baterista Marcus Gilmore, con los que ha desarrollado una admirable complicidad no solo en Historicity y Accelerando, sus anteriores entregas para ACT, sino desde sus grabaciones previas en cuarteto con el saxofonista Rudresh Mahanthappa. Iyer es un pianista enraizado en la tradición como él mismo se encarga de remarcar en cada ocasión, aquí homenajeando a uno de sus grandes héroes, Thelonious Monk, con una respetuosa lectura de "Work". Pero lejos de conformarse con ser una especie de versión modernizada de Andrew Hill, como otros músicos de su generación se ha empapado de múltiples influencias, desde Jimi Hendrix a la música electrónica, y con su trío es la punta de lanza de una revolución, silenciosa pero imparable, en el plano rítmico. Una corriente que partiendo de la herencia del M-Base ha asimilado los ritmos del hip-hop y en la que han tenido también un papel crucial bandas como el Bandwagon de Jason Moran, pero que con el trío de Iyer alcanza una sofisticación asombrosa.
El trío se ha caracterizado por el énfasis en los patrones repetitivos, en las atmósferas opresivas e hipnóticas, pero en este disco ofrece tal riqueza de sensaciones que son necesarias varias escuchas para empezar a digerirlas. Iyer va dosificando sabiamente temas más impresionistas extraidos de la suite "Open City", una colaboración con el novelista Teju Cole compuesta originalmente para una banda de 18 músicos, una delicada versión a solo de "Blood Count", la pieza que Billy Strayhorn compuso para Duke Ellington, su recreación del "Countdown" de John Coltrane, el minimalismo de "Mistery Woman", basado en una idea rítmica de Rajna Swaminathan, intérprete de percusión clásica del Sur de la India, con los verdaderos platos fuertes del disco: "Diptych", "Taking Flight", "Break Stuff", temas fascinantes que el trío ejecuta con un nivel de excelencia sin precedentes en el que probablemente tenga mucho que ver la producción de Manfred Eicher.
Achim Kaufmann, pianista alemán afincado en Amsterdam, es uno de los músicos más estimulantes de la vanguardia europea. En su amplia actividad destacan sus colaboraciones con el saxofonista y clarinetista Michael Moore, con el que ha indagado en la obra de Herbie Nichols, y con el saxofonista Frank Gratkowski, en un contexto de libre improvisación plasmado recientemente en el intrigante Skein, un sexteto con el que exploran nuevas texturas.
Son varias sus experiencias anteriores con tríos de piano: Starmelodics, con Mark Dresser y Harris Eisenstadt, Verivyr, con Valdi Kolli y Jim Black, pero parece que ha encontrado en Grünen, con los tambien germanos Robert Landfermann en el contrabajo, y Christian Lillinger en la batería, el vehículo ideal para desarrollar su estilo personal. Tras su debut en 2010 con el disco que dio nombre al grupo, totalmente improvisado y sin preparación previa, esta segunda entrega mezcla composición e improvisación, lo que se traduce en piezas más estructuradas, con un sonido más afilado y una interacción portentosa entre los tres músicos, un tratamiento fresco y original que huye de los arquetipos del free y un perfecto equilibrio entre tensión y lirismo, sin perder la musicalidad incluso en los momentos más abstractos. Otro notable esfuerzo de renovación del clásico formato de trío de piano en este caso desde la perspectiva de la escuela europea.
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